20 de febrero de 2018

El Espacio de Arte de la Fundación OSDE inaugura las primeras exposiciones del año


Juan José Saer. Tapa de "La mayor", Barcelona, Planeta, 1976
El Espacio de Arte de la Fundación OSDE presenta "Conexión Saer", la primera exposición del 2018.
La exposición vincula la obra y la figura del escritor Juan José Saer con su contexto social y cultural, el territorio santafesino -escenario de sus ficciones-, las ciudades en las que vivió, su generación, los artistas plásticos y escritores que admiró y las conexiones que estableció con ellos.
En el marco del Año Saer, un proyecto dedicado a estudiar y difundir la figura y la obra de uno de los máximos escritores argentinos, la muestra se inauguró en el mes de abril de 2017 en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe. En el mes de noviembre itineró a Plataforma Lavardén, en Rosario, e inaugura el 20 de febrero de 2018 en Buenos Aires.
 
Juan José Saer. Tapa de "Glosa", Buenos Aires, Alianza, 1986
a exposición reúne documentos de diversa índole -inéditos en su mayor parte-, primeras ediciones, registros sonoros y fílmicos, pinturas y fotografías que dan cuenta de la vida y la obra del escritor. Son evocados grupos de pertenencia, episodios iniciáticos o polémicas mientras que diferentes registros lo muestran tanto inserto en la producción fílmica del mítico Instituto de Cine de Santa Fe como debatiendo con grandes escritores de la época como Julio Cortázar o Augusto Roa Bastos. De la misma manera se exhiben los productivos diálogos intelectuales con artistas plásticos como Fernando Espino o Juan Pablo Renzi elegidos por el escritor para ilustrar las tapas de sus libros.
En palabras de sus curadores, María Teresa Constantin y Martín Prieto,"Conexion Saer se propuso... convertir un espacio expositivo museístico en una caja de resonancia donde vibre la vida y la obra de un escritor, sin abandonar los gestos curatoriales de una exposición artística en el cruce de diferentes disciplinas."
 
Juan José Saer
Juan José Saer nació en Serodino, provincia de Santa Fe, el 28 de junio de 1937. Sus padres, inmigrantes sirios, tenían un almacén de ramos generales. En 1949 la familia se trasladó a la ciudad de Santa Fe. Estudió Derecho y Filosofía, trabajó de periodista y fue profesor en el Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral. En 1968 se fue a Francia con una beca, y ya no volvió a vivir a la Argentina. Fue profesor de la Universidad de Rennes desde 1971 hasta su jubilación, en 2002. Murió en París el 11 de junio de 2005.
Conexión Saer, es una muestra impulsada por el ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe. Se puede visitar desde el 20 de febrero al 28 de abril de 2018 en Suipacha 658, primer piso, de lunes a sábado de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita. Domingos y feriados cerrado.
 
Simultaneamente se presenta "Principio activo - Materia móvil", la primera intervención en las Salitas del año, a cargo de la artista Valeria Traversa.
Se trata de ensayar una dinámica móvil, no fija, que exhiba una suerte de estatuto transitorio, provisorio, de las partes y el todo. Se apela entonces a los dobleces sobre un material como el papel, cuyas características constitutivas lo muestran a la vez como sólido y maleable.
Todo el conjunto es la revelación de un trabajo cuya materialidad específica concluye cuando finaliza la intervención. Se instala un procedimiento, un proceso, antes que piezas cerradas y reconfiguradas con una estética y un estilo. 
 
Diana Klainer. "Carterita"
La vidriera presenta "Ellos daban vueltas, vueltas, vueltas...", una intervención de la artista Diana Klainer. 
Se trata de la escena de "Planetapatín", delicadas esculturas en alambre, resina y papel. La artista captura el andar de los personajes por una ruta que no se sabe de dónde viene ni adónde va, porque lo que importa es el transcurrir. 
 
Además, continua la intervención del ascensor "En el fondo de todo hay un jardín", obra de Mariela Yeregui, que al igual que las Salitas del primer piso, conserva las características arquitectónicas de principios del siglo pasado cuando el edificio albergaba a la mueblería MAPLE.

19 de febrero de 2018

El Fondo Nacional de las Artes cumple 60 años

El Fondo Nacional de las Artes (FNA), que depende del Ministerio de Cultura de la Nación, celebra su  60° Aniversario con más concursos, becas, préstamos y subsidios.

El FNA se creó el 3 de febrero de 1958, bajo el decreto 1224/58, como una institución pensada para financiar el desarrollo, la formación y la producción artística y cultural de todo el país. Una de sus cualidades, es la de apoyar y acompañar todas las disciplinas convirtiéndola en una institución única por su transversalidad y por la vinculación con todas las expresiones artísticas.
Se financia a través del dominio público pagante. Cada vez que se utiliza una obra de un artista o un autor que falleció hace más de 70 años, el FNA reinvierte ese capital en los artistas que están creando hoy. Es la entidad pública que garantiza y promueve el ciclo virtuoso de la creación artística.

"Gracias al FNA muchos artistas pueden desarrollarse. Para una sociedad es importante que se pueda promover la creación y desde el Fondo protegemos el patrimonio y apoyamos las artes y la cultura de todo el país”, dice Carolina Biquard, presidente del FNA.

En línea con su espíritu fundacional, la institución planea celebrar su 60° aniversario con diversas actividades. 

En marzo, se inaugura la muestra de la artista plástica Josefina Robirosa en Casa Victoria Ocampo de Barrio Parque. Primer casa moderna de la Ciudad de Buenos Aires que perteneció a la reconocida escritora y fue espacio de creación y encuentro grandes artistas y escritores. Despues de un periodo de acondicionamiento y puesta en valor, la Casa Victoria Ocampo tiene previsto la apertura de un Programa de Residencias para promover el intercambio entre artistas nacionales e internacionales.

En la foto, ganadores del primer concurso de Arte y Transformación Social del FNA, que se entregó en noviembre de 2017 
 
Además, durante el año se lanzarán nuevos Fondos Municipales de las Artes y la Transformación Social para ampliar la cobertura de Becas Creación y Formación en todo el país. Este programa tiene por objetivo la creación de fondos concursables municipales, administrados por agentes locales que conocen las necesidad artístico cultural de la escena local. El FNA no sólo acompaña económicamente esta iniciativa sino que trabaja en la formación y transferencia de los contenidos para la implementación territorial del Programa.

En el primer cuatrimestre abre sus puertas Potrero Digital, una escuela de oficios digitales orientada a la animación, el diseño multimedial y de videojuegos que espera generar oportunidades profesionales y laborales para jóvenes de 16 años en adelante. Este programa inicia su actividad en la Cooperativa Barrio La Juanita, en La Matanza.

También se abre la convocatoria para un Programa de Residencias en diseño andino en conjunto con la FADU - UBA; Red Puna Puna.

Del 5 al 8 de abril, el FNA acompaña la Edición Nacional Anual del Filba en La Cumbre, promoviendo el desembarco en esa ciudad cordobesa del Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires.

Como parte de sus convocatorias anuales, en 2018 se sumarán nuevos concursos para premiar obra inédita: el acento estará puesto en las discográficas; el arte y la tecnología; el diseño; el patrimonio y la arquitectura, además de nuevas becas junto al British Council para grabadores.

A la vez, se continuarán con los programas de las Becas a la Creación y a la Formación y los ya tradicionales concursos de letras, proyectos editoriales, música, artes escénicas, artes audiovisuales y artesanías.
La Casa Victoria Ocampo también tiene una programacion aniversario en el 2018: con una nutrida agenda de ciclos de música, letras, y artes escénicas promoviendo la difusión y promoción de la obra de artistas consagrados y de premiados del FNA.

El FNA confirmó su presencia en la Feria del Libro y en el Buenos Aires Lab (BAL) del Bafici.  Se continuará con el programa de préstamos y subsidios, en este último caso para proyectos culturales, mejora de espacios culturales, comunidades de pueblos originarios, cooperativas de teatro, y arte y transformación social.

Además, seguirán los FNA LAB en cada región del país, una serie de encuentros para artistas ganadores de las Becas a la Creación en los que se busca acompañarlos en la realización de su obra.

5 de enero de 2018

La Alianza Francesa de Buenos Aires presenta "Jangada", fotografías sobre el litoral argentino


Del 14 de diciembre al 9 de febrero y en colaboración con el Municipio de Tigre se lleva a cabo la muestra fotográfica colectiva titulada "Jangada, el litoral argentino", en la Alianza Francesa de Buenos Aires, ubicada en Av. Córdoba 946, Buenos Aires, Argentina.
La muestra realizada por los artistas Lucas Distéfano, Brenda Hoffman, Edgardo Madanes, Adrián Paiva, Carola Rousso y Silvia Sergi; es un proyecto dirigido por la Arq. Diana Saiegh, con la coordinación y producción de Milagros Noblía Galán.

"En el litoral argentino, una región abrazada entre caudalosos ríos que bajan hacia el sur, se forma un delta de islas, arroyos y áreas pobladas, donde la herencia guaraní se funde con la tradición de los primeros pobladores europeos. Y en esa amalgama cultural, en ese modo de entender la vida, donde se confunde el paraíso natural y la labor del hombre, surge una mirada, un lenguaje y una sensibilidad única, propia de esa geografía. Tal vez la jangada, esa embarcación precaria que utilizan los isleños para acarrear troncos y maderas hasta el puerto, sea la mejor síntesis de esta conjunción de elementos: como medio de transporte, como herramienta de supervivencia, pero también, como el elemento que le permite al poblador contemplar en su recorrido, la magnitud, la belleza y la tranquilidad del paisaje que habita.
 

Y en esa línea, se inscriben las obras de Lucas Distéfano, Brenda Hoffman, Edgardo Madanes, Adrián Paiva, Carola Rousso y Silvia Sergi. Una serie de postales en diferentes soportes y disciplinas, todas con la misma capacidad de transmitir las sensaciones de ese entorno, tan salvaje como pacífico, tan lejano como cercano y tan moderno como primitivo. Un espacio singular y poético, que también supo ser el hogar de creadores como Xul Solar y Haroldo Conti, entre otros. Y al igual que ellos, esta serie de obras logran reflejar ese silencio penetrante, sólo interrumpido por el motor de las lanchas, en una especie de grito de Jangada, que llega hasta los juncos de la costa, ahí donde el hombre pisa tierra firme, y en esa dialéctica, subyace el valor de este conjunto de obras, que invitan a contemplar  la naturaleza propia de este enclave singular, otorgando nuevas voces a aquellas  raíces que valorizan lo propio, al  reflexionar en torno a  los mensajes que emiten esas aguas y esas tierras, como valor de lo desconocido, de lo no habitado, pero al mismo tiempo, de lo nuestro." Texto por la curadora Arq. Diana Saiegh

Las fotos son gentileza de Claudia Martínez Greco.

22 de diciembre de 2017

“Abstracciones”, la última muestra del año en la galería de arte del Banco Nación


“Al dormir no veo mis párpados”, Ana Perissé (2009)
 
La galería de arte “Alejandro Bustillo” presenta la muestra “Abstracciones”, que reúne las obras de un destacado grupo de representantes de la rama de la pintura moderna.
Esta nueva selección de las obras, que integran el acervo institucional, es el cierre del presente ciclo de exposiciones de la galería del Banco Nación. 
La exposición se puede visitar hasta el 30 de enero de 2018, de lunes a viernes de 10 a 15 horas, en el hall central del Banco Nación ubicado en Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 

20 de diciembre de 2017

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición "Ides Kihlen: Todo el siglo es carnaval"


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires tiene la alegría de celebrar los cien años de la artista argentina Ides Kihlen con la inauguración de su exposición "Ides Kihlen: Todo el
siglo es carnaval".
La exposición, organizada por el equipo curatorial del museo, ocupa la Sala de Proyectos Especiales ubicada en el primer piso. La misma se conforma a partir de obras de mediano y pequeño formato que fueron seleccionadas directamente del taller de la artista y que permanecen inéditas: son, en su gran mayoría, papeles íntimos que permiten un acercamiento al desarrollo creativo de Kihlen.
 

Kihlen nació en 1917 en la provincia de Santa Fe, Argentina, y vivió durante su infancia viajando entre las orillas del río Paraguay, en la localidad chaqueña de PuertoBermejo, y del Rio de la Plata, en la ciudad de Buenos Aires. Desde pequeña manifestó el interés por el arte que sostuvo durante toda su vida. Ese camino atravesó todo el siglo XX -sus pensamientos, corrientes artísticas y coyunturas- en la búsqueda de un lenguaje propio; en él, la música también ocupa un lugar central y es el motor simbólico que guía la distribución de ritmos y silencios.
 
A lo largo de su vida, Ides Kihlen ha reimaginado las posibilidades de la pintura. Desandó los códigos académicos aprendidos en la Escuela de Artes Decorativas de la Nación, donde estudió bajo la dirección de Pío Collivadino. Interesada por las búsquedas abstractas, entabló diálogo con Emilio Perotutti, Juan Batlle Planas y Kenneth Kemble, a cuyos talleres asistió en distintos momentos de su vida. Como Kandinsky, Paul Klee o Xul Solar, incorporó musicalidad y sonoridad a su obra. “Todo en Ides Kihlen es dinámico: las infinitas posibilidades de desarrollo sobre el plano, la soltura de sus composiciones y la inmediatez de su línea”, como se lee en texto curatorial de la exposición.
 

En la obra de Kihlen, los elementos de la abstracción lúdica se conjugan con guiños de figuración que remiten al imaginario de la infancia, el juego y la música: banderines de circo, payasos, lunas, soles, barcos y peces, realizados con líneas que se abren y que dan lugar a un juego en el que la artista resuelve detalles de la figura con recortes y lentejuelas. El juego no aparece solamente como objeto de representación, sino también como un proceso de trabajo intuitivo y experimental que, en sus obras, equivale a la innovación, a la exploración de límites y a la fusión de las artes. Como reconoce la artista, su interés radica específicamente el proceso creativo y en la acción misma del pintar.
 
Ides Kilhen combina ritmos de formas abstractas con un repertorio personal de figuras geométricas, números y notas musicales. La potencia de su trabajo se encuentra en ese diálogo constante consigo misma y en su incansable pero festiva labor a lo largo de todo un siglo.
Esta exposición, así como las que se exhiben en el resto de las salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, se pueden visitar de martes a viernes de 11 a 19 hs.  y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina. Entrada general: $30. Martes: gratis.

Fundación Itaú lanzó la convocatoria a la 9ª edición del Premio Itaú de Artes Visuales


Fundación Itaú lanzó la convocatoria a la 9º edición del Premio Itaú de Artes Visuales, el cual promueve y estimula la producción artística emergente de la Argentina y da visibilidad a las expresiones artísticas de todo el país.

Este año se lanza, junto a la convocatoria anual, la categoría especial Realidad Aumentada.

Todas las obras finalistas serán exhibidas en un destacado espacio de la ciudad de Buenos Aires, en tanto que las obras distinguidas por los jurados de premiación pasarán a formar parte de la Colección Itaú de Arte Contemporáneo.

Los premios adquisición serán de:
1er. Premio: $ 100.000
2. Premio: $ 60.000
3. Premio: $ 30.000

El jurado de premiación está compuesto por: Valeria González, Eduardo Stupía y Mariano Sardón. El jurado de selección será anunciado en breve.
La curaduría está a cargo de Adriana Lauría y la coordinación será de Eugenia Garay Basualdo.

“Es un orgullo presentar una nueva edición de este Premio, un espacio para estimular la producción artística emergente de Argentina y dar visibilidad a sus nuevas creaciones. En esta edición, entendiendo que las nuevas tecnologías proponen novedosas formas artísticas, premiaremos la categoría Realidad Aumentada. Además, confiamos en superar la cantidad de participantes record que tuvimos en la edición 2016/2017 y estamos ansiosos por sorprendernos, como cada año” afirmó José Pagés, presidente de Fundación Itaú.

Se convoca a todos los artistas visuales mayores a 18 años de todo el país a participar, sin límite de edad. Las obras se recibirán hasta el 15 de enero de 2018.
La muestra con los ganadores se realizará en mayo en la Casa Nacional del Bicentenario.

Informes e inscripción en: www.premioitau.org.

19 de diciembre de 2017

61º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”


El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori celebró la inauguración y entrega de premios correspondientes al 61º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”.
Se exponen las obras premiadas, mencionadas y seleccionadas durante 2016 en las categorías
pintura, escultura, dibujo, grabado y monocopia en dos etapas, de acuerdo con el siguiente
cronograma:
Del 16 de diciembre de 2017 al 4 de febrero de 2018: dibujo, grabado, monocopia y obras premiadas en todas las disciplinas.
Del 17 de febrero al 18 de marzo de 2018: pintura, escultura y obras premiadas en todas las disciplinas.

Artistas premiados:

Primer Premio: Luis Niveiro
 
Pintura: 
Primer Premio: Luis Niveiro. Inocente por ahora, 2016, goma eva, goma acrílica impresión digital sobre tela, 180 x 200 cm. 
Segundo Premio: Andres Compagnucci. Competencia, 2016, óleo y acrílico sobre lino belga, 200 x 150 cm.
Tercer Premio: Liliana Golubinsky. Te estoy mirando… 2016, técnica mixta, 170 x 200 cm.
Mención honorífica: Maria Ester Joao y menciones: José Petroli, Clarisa Cassiau, Roberto Rey, Cristina Sikora, Ana Candioti, Eugenio Taboada, Gabriela Nigorra.
Jurado: Rubén Betbeder, María Elena Babino, Ricardo Roux, Diana Dowek, Jorge Abot.

Primer Premio: José Alberto Marchi
Dibujo
Primer Premio: José Alberto Marchi. La oscuridad de la luz, 2016, grafito sobre papel, 104 x 140 cm.
Segundo Premio: Javier Ferrante. Sin título, 2016, grafito y pastel tiza sobre papel, 150 x 150 cm.
Tercer Premio: Maximiliano D´ettorre Negri. Hermanos 2, 2016, grafito sobre tabla, 80 x 200 cm.
Mencion honorifica: Daniela Mizrahi y menciones: Jorge Salas, Gaston Silveira.
Jurado: Ángel Navarro, Soledad Obeid, Eduardo Stupia, Armando Sapia, Nicolas Menza.

Primer Premio: Oscar de Bueno
Escultura
Primer Premio: Oscar de Bueno. Del otro lado del portal, 2016, hierro soldado y piedra, 160 x 50 x 23 cm.
Segundo Premio: Fabio Miniotti. Al filo del viento, 2016, madera ensamblada, 250 x 110 x 37 cm.
Tercer Premio: Gerardo Feldstein. Puntos de apoyo, 2016, resina madera, 190 x 130 x 60 cm.
Mención honorifica: Guillermo Enrique Krüger y menciones: Janinne Wolfsohn, Silvia Abrevaya.
Jurado: Cesar Fioravanti, Adriana Laurenzi, Armando Ramaglia, Carola Zech, Antonio Oriana.

Primer Premio: Ariel Mlynarzewicz
 
Grabado
Primer Premio: Ariel Mlynarzewicz. Lazos de familia, 2016, aguafuerte buril esténcil, 100 x 120 cm.
Segundo Premio: Inés Saubidet. Aranyani. La diosa del bosque, 2016, xilografía, 50 x 126 cm.
Tercer Premio: Gabriela Álvarez. De la serie: Mirada de ciclista “Diario de viaje II”, 2015, serigrafía, 72 x 160 cm.
Mencion honorifica: MatÍas Amici y mencion: Josefina Neira.
Jurado: Osvaldo Jalil, Alicia Candiani, Juan Alberto Arjona, Alicia Diaz Rinaldi, Lucrecia Orloff.

Premio Único: Elena Davicino
Monocopia
Premio Unico: Elena Davicino. Te los devuelvo mañana, 2016, 100 x 70 cm.
Mencion honorifica: Alejandra Gondar y mencion: Carla Beretta.
Jurado: Osvaldo Jalil, Alicia Candiani, Juan Alberto Arjona, Alicia Diaz Rinaldi, Lucrecia Orloff.

El Museo Sívori se puede visitar de martes a viernes de 12 a 20 horas; sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas en Av Infanta Isabel 555, Parque Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
Entrada: $20. Miércoles, gratis; jubilados; menores de 12 años; personas con capacidad reducida y sus acompañantes; estudiantes universitarios y grupos de estudiantes de colegios públicos, gratis.

12 de diciembre de 2017

“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llega a Córdoba


La muestra, que propone un diálogo entre obras de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes y de artistas contemporáneos del país, se inaugura el jueves 14 de diciembre, a las 20 hs. en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba.

En la última escala de su gira nacional, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” -la exposición colectiva que reúne 79 obras de los principales artistas del país, de distintas épocas, celebrando el Bicentenario de la Independencia- se presenta en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa” (Av. Poeta Lugones 411, ciudad de Córdoba), donde podrá visitarse hasta el 15 de marzo de 2018.
 
Xul Solar, "Celdas na roca", 1948. Colección Museo Nacional de Bellas Artes
Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural, y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes -algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución- y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias.

Esta selección -que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte- establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

Pío Collivadino, "Paisaje de Tandil”. Colección Museo Nacional de Bellas Artes
 
La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que no siguen una línea cronológica: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales, y Vanguardia y abstracción. “Sin pretender dar cuenta del universo plástico de dos siglos, la muestra tiende a proponer preguntas en torno al sentido del arte, la política, el territorio y la subjetividad argentina. De modo que se buscó construir sutiles líneas que conecten producciones diversas tanto en su formato como en su génesis y contexto, zonas de contacto y puntos de fuga que articulen la serie visual en cotejo con la serie histórica”, sostienen Duprat y Gutiérrez en su texto curatorial.

Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca son algunos de los artistas seleccionados del valioso acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.
 
Matias Duville, Sin título, 2015, carbonilla sobre papel
 
A ellos se suman los creadores contemporáneos Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Ariel Mora (Neuquén), Marcelo Abud (Jujuy), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

El Museo Emilio Caraffa puede visitarse de martes a domingos, y feriados, de 10 a 20 hs. La entrada tiene un costo de $15 o una entrada combinada de $20 que brinda acceso, también, a los Museos Evita-Palacio Ferreyra y Palacio Dionisi. Los jubilados, menores y estudiantes entran gratis todos los días, mientras que los miércoles el acceso es gratuito para todo público.
 
Tomás Maldonado, "Homage to Ptolemy 2", 2005, acrílico sobre tela 
 
Esta exposición itinerante está acompañada de textos con aportes y reflexiones acerca del Bicentenario, elaborados por Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas, Pablo Montini y Carina Cagnolo, especialistas y referentes de las artes visuales de diferentes ciudades de país. El catálogo completo está disponible en formato digital en: http://congresodetucuman.cultura.gob.ar.

Luego de su inauguración, el 1.° de julio de 2016, en San Miguel de Tucumán, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” visitó instituciones públicas de Rosario, Mar del Plata, Neuquén, Salta y San Juan, para finalizar en Córdoba la itinerancia por siete provincias argentinas.

11 de diciembre de 2017

Se presentará en el Museo Nacional de Bellas Artes un libro que reune 25 años de producción del artista Diego Perrotta


El miércoles 13 de diciembre a las 18.30 hs. se realizará la presentación del libro “Diego Perrotta. Obra 1992 - 2017”, en la sala 33 del primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes, ubicado en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires.
Participan: María Teresa Constantin, Luis Felipe Noé, Eduardo Stupía, Andrés Duprat, Alberto Elía y Diego Perrotta.

Este libro reúne 25 años de producción: libro de proyectos, 3 capítulos, 14 series temáticas, con texto de María Teresa Constantin.
El libro recorre y revisita los diferentes proyectos de trabajos que Perrotta viene realizando a lo largo de todos estos años. La edición está diseñada de manera cronológica, se divide en tres capítulos. El libro desarrolla los diferentes recorridos y experimentaciones en su trabajo, donde figuran fotos de obra, bocetos, documentos históricos y registros de montajes de las diversas exposiciones y proyectos.
El recorrido de los 14 proyectos está acompañado por textos críticos, que fueron realizados especialmente en su momento para las exposiciones. En ellos participan: María Teresa Constantin, Luis Felipe Noé, Eduardo Stupía, Diana Wechsler, Alfredo Benavidez Bedoya, María Carolina Baulo, Gabriela Vicente Irrazábal y Diego Perrotta. 

Características del libro:
176 páginas. Tirada 1000 ejemplares. Edición bilingüe. Formato: 30 x 23 cm cerrado / 60 x 23 cm abierto. Colores: 4 x 4 / Papel ilustración 170 gr. Tapa: Cartulina ilustración 300 gr. Colores 4 x 4
Laminado polipropileno mate. Encuadernación: binder cosido.
Coordinación: Luz Marchio / Traducción: Leticia Silva / Diseño: Fedora Fernández y Mayán / Gustavo Barugel / Fotografía: Gustavo Barugel.

8 de diciembre de 2017

Julio Le Parc visitó ARTEH, el nuevo espacio de arte de Hipercerámico


El artista mendocino de fama mundial realizó un recorrido de más de tres horas por el flamante espacio de arte que Hipercerámico inauguró hace apenas dos meses.
Los artistas que componen la actual exposición de ArteH, pudieron interactuar y detallar sus obras a un Le Parc que se mostró a gusto y no tuvo prisa para recorrer el espacio en detalle.

Le Parc junto a las autoridades de Hipercerámico y ArteH: Daniel Rueda, Amarú Gauna, Yumiko Seki, Julio Le Parc, Diego Pérez Colman, Virginia Lavilla y Mackenna Gauna
 
Fiel a su compromiso con la promoción y difusión del arte y la cultura mendocinos, Hipercerámico inauguró su propio espacio cultural. Son 70 metros lineales de exposición, ubicados en el interior del showroom y su nombre es ARTEH - Espacio Hipercerámico-.
El lugar, que abrió sus puertas con una importante muestra colectiva, ya puede ser visitado por el público.
La dirección y curaduría en artes se ha puesto en manos del marchand mendocino Daniel Rueda, quien trabajará desde su profesionalismo en el estímulo, difusión y reflexión sobre la creación artística a nivel regional, nacional e internacional ya que para el futuro se espera abrir el salón a otras manifestaciones artísticas.

Julio Le Parc interactuó con los artistas que exponen actualmente en ArteH compartiendo conceptos sobre sus obras
 
La idea central al crear este espacio es desarrollar un lugar en la región respetando las normas de exhibición y conservación en la materia y no limitándose a meras acciones de marketing. “Será, seguramente, un lugar donde los artistas encuentren un puente entre el público y sus creaciones, con los críticos, los coleccionistas y todos los que conforman este interesante y activo mundo del arte. Es un proyecto con finalidad pública y social”, destacó Diego Pérez Colman, gerente general de la firma.
 
Julio Le Parc con todos los artistas expositores
 
El otro aspecto para resaltar es que el espacio está pensado como un ámbito de recepción y exhibición de nuevos talentos y una contribución más a los clientes de Hipercerámico para que, cuando tengan la necesidad de imaginar sus hogares desde una valoración artística, puedan encontrar el lugar preciso para satisfacer sus demandas culturales.
El doctor Daniel Rueda trabaja desde 2005 en la difusión de los artistas visuales en los circuitos nacional e internacional. Referente en cuanto a la gestión cultural en Mendoza y la región, ha recibido reconocimientos de las cámaras legislativas de Mendoza y San Luis. Tiene en su haber profesional el trabajo realizado en distintas provincias argentinas, como asimismo en varios países.

7 de diciembre de 2017

El Museo Lucy Mattos presenta las muestras de Marta Lemel y Elsa Runde


El Museo Lucy Mattos está presentando las muestras de Marta Lemel "Jugar entre blanco y negro" y Elsa Runde "Vivencias”, del 3 al 30 de diciembre.

Marta Lemel es argentina y nació en Buenos Aires. Estudió dibujo y pintura con Feliza Zir, Fingerman y Locasso y asistió a Estímulo de Bellas Artes. 
Expone desde el año 1972. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina y el exterior. Fue seleccionada en salones nacionales, provinciales y municipales. Poseen obras suyas colecciones privadas de España, Bélgica, Checoslovaquia; la Comisión Nacional de Energía Atómica. la Embajada de Cuba y el Centro Cultural Borges.

Elsa Runde 
es argentina y se formó con Adriana Dellepiane, Teresio Fara, Kenneth Kemble y Guillermo Roux. 
Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Brasil y Uruguay. 
Ha recibido las siguentes distinciones: 2ª mención en pintura del 39° Salón del Museo Sívori; premio Pío Collivadino y A.B de Collivadino del 54° Salón Nacional; premio artista de la zona del 34° Salón de San Fernando; mención en la 3ª Bienal de Pintura Centro Universitario de Villa Ballester; 1ª mención del 3º Salón Primavera, Club San Fernando; premio especial del jurado en pintura del 82° Salón de Otoño de SAAP 2017, Facultad de Derecho UBA; primer premio del concurso de pintura pequeño formato - bodega Dante Robino, galería Juana de Arte, entre otras. 
Poseen obras suyas museos y colecciones privadas de Alemania, Sudáfrica, Brasil, Argentina y Uruguay.

Las muestras se pueden visitar de miércoles a sábados de 11 a 19.30 hs y domingos de 10 a 18.30 hs. en  Av del Libertador 17.426, Beccar (San Isidro). El valor general de la entrada es $120. Los días miércoles: $60. Jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $60. 

El Museo Histórico Saavedra presenta la exposición "Buenos Aires, a vista de pájaro: Jean Désiré Dulin (1839-1919)"


Fragmento de la espectacular obra de Dulin, de 12 metros de largo, de la Buenos Aires de 1915. Foto Museo Saavedra
 
Recibida en donación desde los EE.UU., se presenta, por primera vez en Buenos Aires, una obra del dibujante francés Jean Désiré Dulin inédita y espectacular por su tamaño (12 metros de ancho y 1,46 de alto) en la que se puede ver la ciudad en una vista área panorámica desde el Riachuelo a Palermo. Realizada en temple-témpera y tintas artísticas sobre papel, fue exhibida en el Pabellón Argentino de la Exposición Internacional “Panamá - Pacífico” en la ciudad de San Francisco en el año 1915.
 
Jean Désiré Dulin en 1859. Foto Museo Saavedra 
Esta obra, que permaneció ignorada hasta hoy, es no sólo monumental en su concepción sino insuperable ya que en ella no sólo aparece lo que hubiera podido capturar una lente fotográfica sino aquello que con la posibilidad inminente de existir aún no existía, o lo que nunca llegaría a existir por haber quedado sólo en proyecto. Es, en este sentido, un devenir, el testimonio de una posibilidad. A semejanza de nuestra memoria y diferente del puro presente de una fotografía, la obra de Dulin contiene en una única mirada el pasado, el presente y el futuro de Buenos Aires.
 
Otro trabajo de Jean Dulin sobre Buenos Aires. Foto Museo Saavedra
 
Junto a ella se exhiben otras obras del artista que conserva el museo y las diferentes Buenos Aires a vista de pájaro realizadas durante la segunda mitad del siglo XIX, algunas de ellas también inéditas.
La muestra se puede visitar de martes a viernes de 9 a 16 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. hasta el 10 de abril de 2018 en el Museo Histórico de Buenos Aires "Cornelio de Saavedra", 
 Crisólogo Larralde 6309, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. .Entrada general $5. Martes y viernes gratis.